Las 10 mejores películas que cumplen 50 años en 2026

Hay años que dejan unas pocas películas memorables y otros que parecen contener una época entera. 1976 pertenece al segundo grupo. Mientras el Nuevo Hollywood se acercaba al final de su etapa más audaz, las pantallas se llenaron de antihéroes, instituciones bajo sospecha, violencia urbana y medios de comunicación dispuestos a convertir cualquier tragedia en entretenimiento.

De aquel año salieron Taxi Driver, Network, Rocky, Carrie y Todos los hombres del presidente. También una de las obras esenciales de Carlos Saura y del cine español: Cría cuervos. El resultado es una cosecha tan amplia que incluso una selección de diez títulos obliga a dejar varias obras importantes fuera.

Para elaborar este ranking hemos valorado la calidad cinematográfica, la influencia posterior y, sobre todo, la capacidad de cada película para seguir interpelándonos medio siglo después.

10La profecía (The Omen)

Un diplomático estadounidense adopta en secreto a un niño después de que su hijo muera durante el parto. Cuando una serie de sucesos terribles comienza a rodear al pequeño Damien, la sospecha resulta tan inconcebible como inevitable: quizá el niño sea el Anticristo.

Richard Donner presenta la historia con la sobriedad de un thriller político y deja que lo imposible invada gradualmente un mundo reconocible. Esa seriedad es la clave de su eficacia. En lugar de refugiarse en el exceso, La profecía construye una sensación de fatalidad a través de coincidencias, silencios y muertes convertidas en imágenes imborrables.

La música coral de Jerry Goldsmith, ganadora del Oscar a la mejor banda sonora, terminó de fijar la identidad de la película. Medio siglo después, Damien continúa siendo uno de los niños más inquietantes del cine.

9Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13)

Antes de Halloween, John Carpenter ya había definido buena parte de su estilo con esta historia de asedio: una comisaría a punto de cerrar, un puñado de policías y presos atrapados en su interior y una banda que ataca desde la oscuridad.

Con pocos medios, Carpenter convierte pasillos, ventanas y puertas en una maquinaria de suspense. La película mezcla el western de asedio con el terror de supervivencia; sus agresores se comportan menos como delincuentes convencionales que como una presencia anónima e inagotable. También contiene varios rasgos que serían marcas del director: narración seca, personajes lacónicos, encuadres precisos y una hipnótica banda sonora electrónica compuesta por él mismo.

Sus 91 minutos, registrados por el British Film Institute, son una lección de economía narrativa.

8El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth)

David Bowie encontró un personaje que parecía escrito para su propia mitología: Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que llega a la Tierra buscando agua para salvar a su planeta. Gracias a sus conocimientos tecnológicos construye un imperio empresarial, pero el poder, el alcohol y la crueldad humana van desviándolo de su misión.

Nicolas Roeg evita la ciencia ficción convencional. Su montaje fragmentado altera el tiempo, mezcla recuerdos y anticipaciones y nos obliga a observar el mundo desde la desconexión de Newton. La película habla de un alienígena, aunque su verdadero tema es la forma en que una sociedad puede absorber, explotar y finalmente destruir aquello que considera diferente.

Bowie ofrece una interpretación frágil, distante y extrañamente emocional. Su presencia y las imágenes de Roeg mantienen intacta la capacidad de fascinación de una película que todavía parece llegada de otro lugar.

7Harlan County, USA

En 1973, un grupo de mineros de Kentucky inició una huelga para exigir mejores condiciones laborales. Barbara Kopple y su equipo acompañaron durante meses a los trabajadores y a sus familias, registrando enfrentamientos con la empresa, la policía y los rompehuelgas.

El resultado posee la tensión de un thriller, pero nada está reconstruido. La cámara permanece dentro del conflicto y asume los riesgos de quienes aparecen ante ella. Las esposas de los mineros ocupan un lugar central, organizando piquetes y sosteniendo a una comunidad que pelea por sobrevivir.

Ganadora del Oscar al mejor documental, Harlan County, USA sigue siendo un referente del cine político. Criterion la define como el registro de una lucha de trece meses entre una comunidad y una corporación; vista hoy, su reflexión sobre el trabajo, la desigualdad y la organización colectiva conserva toda su fuerza.

6Carrie

Carrie White es una adolescente solitaria, acosada por sus compañeros y sometida en casa al fanatismo religioso de su madre. También posee poderes telequinéticos. Cuando parece que por fin será aceptada durante el baile de graduación, una humillación cuidadosamente preparada desata todo lo que llevaba años reprimiendo.

Brian De Palma transforma la novela de Stephen King en una tragedia adolescente. El terror nace tanto de los poderes de Carrie como de la violencia cotidiana ejercida sobre ella. La célebre secuencia del baile combina cámara lenta, montaje paralelo y pantalla dividida para prolongar unos segundos de felicidad hasta convertirlos en una pesadilla.

Sissy Spacek y Piper Laurie recibieron nominaciones al Oscar, algo poco habitual para el género. Más importante aún: Carrie cambió la manera de representar el instituto, el acoso y la rabia femenina dentro del cine de terror.

5Rocky

Las secuelas, la música y la iconografía pueden hacernos olvidar lo pequeña y melancólica que era la primera Rocky. Antes de convertirse en una saga, fue la historia de un boxeador de barrio que recibe una oportunidad improbable y trata de demostrarse que su vida puede significar algo.

Sylvester Stallone escribió el guion y construyó un protagonista vulnerable, consciente de sus limitaciones y mucho más interesado en resistir que en conquistar la gloria. La relación con Adrian, los gimnasios deteriorados y las calles frías de Filadelfia pesan tanto como el combate final.

La película ganó tres premios Oscar —mejor película, dirección y montaje— según el registro oficial de la Academia. Su verdadera victoria, sin embargo, fue crear un modelo de relato deportivo imitado durante cinco décadas sin perder el carácter íntimo del original.

4Todos los hombres del presidente (All the President’s Men)

Robert Redford y Dustin Hoffman interpretan a Bob Woodward y Carl Bernstein, los periodistas de The Washington Post cuya investigación ayudó a revelar el escándalo Watergate. En manos de Alan J. Pakula, llamadas telefónicas, verificaciones y conversaciones en aparcamientos adquieren una tensión extraordinaria.

La película no presenta el periodismo como una sucesión de revelaciones brillantes. Insiste en el método: confirmar datos, encontrar una segunda fuente, cometer errores y volver a empezar. La fotografía y el diseño de producción muestran a los reporteros como figuras diminutas frente a las dimensiones del poder que investigan.

Ganó cuatro premios Oscar, incluido el guion adaptado de William Goldman. En una época de desinformación, filtraciones y desconfianza institucional, su defensa de la comprobación paciente resulta más actual que nunca.

3Cría cuervos

Ana, una niña de ocho años, intenta comprender la muerte de sus padres mientras vive con sus hermanas en una casa madrileña dominada por recuerdos y silencios. Fantasía, presente y memoria se confunden: su madre muerta reaparece, los adultos ocultan sus heridas y la mirada infantil revela aquello que la familia preferiría callar.

Carlos Saura retrata la infancia sin sentimentalismo y convierte la casa en una miniatura de una España que comenzaba a salir de la dictadura. Ana Torrent sostiene la película con una mirada capaz de expresar duelo, miedo y desafío. La canción “Porque te vas”, de Jeanette, aporta uno de los contrastes musicales más inolvidables del cine español.

La Academia de Cine fecha la obra en 1976 y el Festival de Cannes le concedió el Gran Premio Especial del Jurado, compartido con La marquesa de O. Cincuenta años después, sigue siendo una película misteriosa, dolorosa y radicalmente moderna.

2Network, un mundo implacable

Un veterano presentador anuncia en directo que se suicidará después de ser despedido. Cuando la cadena descubre que su crisis aumenta la audiencia, decide transformarlo en la estrella de un nuevo espectáculo. Lo que comienza como una sátira feroz de la televisión termina pareciendo un informe adelantado sobre el presente.

El guion de Paddy Chayefsky observa un sistema en el que la información, la indignación y el sufrimiento solo tienen valor si generan espectadores. Sidney Lumet dirige el material con una energía creciente, mientras Peter Finch, Faye Dunaway, William Holden y Beatrice Straight convierten cada discusión en un choque de visiones sobre el poder y el éxito.

Network obtuvo diez nominaciones y cuatro premios Oscar, tres de ellos interpretativos y otro para el guion. En la era de los algoritmos, los discursos virales y la ira convertida en contenido, ya casi no parece una exageración.

1Taxi Driver

Travis Bickle conduce un taxi por el Nueva York nocturno. Insomne, aislado y progresivamente consumido por su resentimiento, interpreta la ciudad como un espacio corrupto que necesita ser purificado. Su deseo de convertirse en héroe es también el camino hacia la violencia.

Martin Scorsese, el guionista Paul Schrader, Robert De Niro y el compositor Bernard Herrmann confluyeron en una película febril. La cámara se mueve entre vapor, neones y calles mojadas mientras la voz de Travis intenta imponer orden a una realidad que no comprende. El espectador queda encerrado en su perspectiva sin que la película lo absuelva ni permita contemplarlo desde una distancia cómoda.

Más allá de sus frases y escenas imitadas, Taxi Driver continúa siendo un estudio incómodo de la soledad, la masculinidad herida y la construcción de falsos salvadores. Fue candidata a cuatro Oscar y ganó la Palma de Oro de Cannes en 1976. Ninguna otra película de aquel año ha dejado una sombra tan extensa.

Otras películas de 1976 que también merecen ser recordadas

La selección podría ampliarse fácilmente con Marathon Man, de John Schlesinger; El quimérico inquilino, de Roman Polanski; El imperio de los sentidos, de Nagisa Ōshima; El asesinato de un corredor de apuestas chino, de John Cassavetes; En el curso del tiempo, de Wim Wenders; El fuera de la ley, de Clint Eastwood, y Cara a cara, de Ingmar Bergman.

Un caso fronterizo: Siete bellezas, de Lina Wertmüller, se estrenó en Italia en diciembre de 1975, aunque su recorrido internacional y sus cuatro nominaciones al Oscar llegaron en 1976. Por eso aparece a menudo en las listas de aquel año, pero no cumple medio siglo en 2026.

El British Film Institute también destaca la variedad de esta cosecha y sitúa 1976 en un momento de transición: algunos de los últimos grandes estallidos del Nuevo Hollywood convivieron con un cine comercial que pronto cambiaría las reglas de la industria.

Cincuenta años y ninguna arruga

La televisión que explota la indignación, el ciudadano aislado que se inventa una misión, el valor de investigar al poder, la violencia dentro de las aulas o la precariedad de quienes luchan por conservar su trabajo: las grandes películas de 1976 no han quedado encerradas en su época.

Varias de estas películas reaparecen cada temporada en los ciclos de la Filmoteca, en el Cine Doré y en las sesiones de clásicos de salas como Embajadores o mk2. Merece la pena estar atento: consulta la cartelera por si alguna vuelve a una pantalla grande.

¿Cuál es tu película favorita de 1976? ¿Qué título añadirías a este ranking?